“En la fotografía hay una realidad tan sutil que llega a ser más real que la realidad.” – Alfred Stieglitz

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“In photography there is a reality so subtle that it becomes more real than reality.” – Alfred Stieglitz

Esta es una de las imágenes icónicas del artista André Kertész realizada poco después de su llegada a París y durante una visita a la casa del pintor holandés Piet Mondrian. Kertész más tarde reflexionó: “Yo fui a su estudio e instintivamente traté de plasmar en mis fotografías el espíritu de sus pinturas. Él simplificó simplificó, simplificó el estudio con su composicíón simétrica impuesta.”

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This is one of the artist’s iconic images André Kertész made shortly after his arrival in Paris and while on a visit to Dutch painter Piet Mondrian’s home. Kertész later mused, “I went to his studio and instinctively tried to capture in my photographs the spirit of his paintings. He simplified, simplified, simplified the studio with its symmetry dictated composition.”

(via: http://diaphotography.wordpress.com/)

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Él pensó que ella era buena y hermosa e inocente
y, de hecho, ella era buena y hermosa, pero ella había sido
inocente demasiado tiempo. Su inocencia fue haciéndose dura dentro de ella
como una piedra, y un día ella sería aplastada
por el peso de esa piedra.

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He thought that she was kind and beautiful and innocent
and in fact she was kind and beautiful, but she had been
innocent too long. Her innocence was growing hard inside her
like a stone, and one day she would be crushed
by the weight of that stone.

Filed under: Duane Michals, fotografia, fotografos

En 1992, Sally Mann publicó “Immediate Family” (“Familia directa”), una colección de imágenes en blanco y negro que contó con sus tres hijos: Emmet, Jessie y Virginia, todos ellos bajo la edad de 10 años y todos ellos en su mayoría desnudos. Mann quería capturar la infancia de sus pequeños a través de los ojos de una madre, y ella lo hizo a través de un relato gótico en el que enseñó todo, desde fumar cigarrillos de dulce en el porche a bañarse desnudos en el calor de Virginia.

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In 1992, Sally Mann published Immediate Family, a collection of black-and-white images which featured her three children: Emmet, Jessie and Virginia, all of them under the age of 10 and all of them mostly in the nude. Mann wanted to capture the childhood of her young ones through the eyes of a mother, and she did it through a gothic narrative which bared everything from smoking candy cigarettes on the porch to skinny dipping in the Virginia heat.

(via: http://reelfoto.blogspot.com.es/)

Salvando las distancias con el gran maestro de la pintura, Pierre Gonnord (1963, Francia) renueva el estilo de Velázquez aplicando su visión pictórica a su fotografía. Este fotógrafo francés comienza su andadura fotografiando a sus propios vecinos de su barrio para abandonar Francia y llegar a España en el año 1988. Sin embargo, a pesar de establecerse en nuestro país, Italia, Japón, Portugal o Estados Unidos son algunos de sus destinos favoritos a la hora de encontrar modelos. Pierre Gonnord es reconocido como uno de los retratistas sociales más importantes de la actualidad en Europa.

“En mi proceso de trabajo coexisten tanto los conceptos de búsqueda como de encuentro. Quiero trabajar y me intereso por individuos pertenecientes a determinados grupos humanos, a colectivos definidos por razones sociales, pero a la vez con una visión más universal. Salgo a la búsqueda de estas personas localizadas en territorios concretos.”

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Bridging the gap with the great master painter, Pierre Gonnord (1963, France) renews the style of Velázquez using his painting vision to his photography. This French photographer began his career photographing their neighbors in their neighborhood to leave France and come to Spain in 1988. However, despite settling in our country, Italy, Japan, Portugal and the United States are some of his favorite destinations to find time. Pierre Gonnord is recognized as one of the most important social portrait now in Europe.

“In my working process coexist both search concepts as meeting. I work and am interested on individuals belonging to certain groups of people, for selected groups for social reasons, but also with a more universal view. I go in search of these persons located in specific territories.”

(via: http://www.xatakafoto.com/fotografos/)

El beso // The kiss.
Grand Central Terminal, New York, 1958

“Te conviertes en cosas, te conviertes en una atmósfera, y si te conviertes en ello, lo cual significa que lo incorporas en tu interior, también puedes darle la vuelta. Se puede poner este sentimiento en una imagen. Un pintor puede hacerlo. Y un músico puede hacerlo, y creo que un fotógrafo puede hacer eso, y yo lo llamaría soñar con los ojos abiertos.” – Ernst Haas

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“You become things, you become an atmosphere, and if you become it, which means you incorporate it within you, you can also give it back. You can put this feeling into a picture. A painter can do it. And a musician can do it and I think a photographer can do that too and that I would call the dreaming with open eyes.” – Ernst Haas

Resulta bastante sorprendente cuando ves las fotografías históricas de trabajo infantil, como las capturadas por el legendario fotógrafo Lewis Hine.

Lo que parece verse como un grupo de niños felices en una granja es en realidad un grupo de trabajadores menores de edad que abren ostras durante casi ocho horas al día antes y después del horario escolar, hace casi un siglo. Más abajo, los niños trabajan en grupos o de forma individual en el embalaje de las plantas, en minas y molinos, en los primeros años del siglo 20.

La mayoría de los niños que trabajaban en estos lugares fueron traídos por los empleadores de sus padres; el padre trabajaría en los puestos de trabajo más exigentes, mientras que la madre y los niños se asignarían a tareas más ligeras.

Como se puede ver en estas fotos, la definición de una tarea ligera incluía trabajar largas horas haciendo trabajos de esfuerzo físico en ambientes peligrosos. Hay muchas historias de estos niños con problemas físicos en su edad adulta como resultado del intenso trabajo que hicieron cuando fueron más jóvenes.

Lewis Hine estuvo en diferentes fábricas, minas y plantaciones en muchos estados para documentar estos niños trabajadores. Es un verdadero testamento a su habilidad y determinación que fuese capaz de capturar tantas emocionantes imágenes aún a riesgo de su propia vida, la presencia de un fotógrafo con el objetivo de exponer a estos niños explotados habría sido una posibilidad indeseable para estas empresas, por decir lo menos.

Hoy en día, Lewis Hine es recordado por ayudar a cambiar las condiciones de trabajo de todo el mundo a través de América por medio de sus inquebrantables fotografías. NCLC hace honor a su nombre a través de los Premios Lewis Hine, que reconocen a aquellos que han ayudado a niños y jóvenes.

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It results quite striking when you see the historic photographs of child labor as captured by the legendary photographer Lewis Hine.

What seems to look like a band of happy children on a farm is actually a group of under-aged workers who shucked oysters for almost eight hours a day before and after school hours nearly a full century ago. Below, children work in groups or individually in packing plants, mines and mills in the early years of the 20th century.

Most of the children who worked in these places were brought in by their parents’ employers; the father would work at the more demanding jobs while the mother and kids would be assigned lighter tasks.

As you can see in these pictures, the definition of a light task included working long hours doing physically taxing jobs in hazardous environments. There are many stories of these kids having physical ailments in their adulthood as a result of the grueling work they did when they were younger.

Lewis Hine set out to different factories, mines, and plants in many states to document these child workers. It is truly a testament to his skill and determination that he was able to capture so many moving images at the risk of his own life; the presence of a photographer with the aim of exposing these exploited children would have been an unwelcome prospect for these companies, to say the least.

Today, Lewis Hine is remembered for helping change the working conditions of everyone across America through his unflinching photographs. Then NCLC honors his name through the Lewis Hine Awards which recognizes those who have helped children and the youth.

(via: http://reelfoto.blogspot.com.es/)

Conoces la foto. La has visto cientos de veces. Una hermosa, escultural y joven mujer está caminando por una calle de Florencia, Italia. Sostiene su chal, y parece estar moviéndose con rapidez. Más de una docena de hombres la miran con deseo. Uno de ellos agarra su entrepierna.
La icónica imagen de 1951 “American Girl in Italy” ha cumplido 60 años. Cuando se acerca su aniversario, la impresionante mujer de la foto – Ninalee Craig, de 83 años – habla acerca de ello. Quiere explicar lo que la foto representa, y lo que no lo hace.
“Hay gente que quiere utilizarla como un símbolo de acoso a las mujeres, pero eso es por lo que hemos estado luchando todos estos años”, dijo Craig en una entrevista telefónica desde su casa en Toronto. “No es un símbolo de acoso. Es un símbolo de una mujer pasándolo maravillosamente bien!”

En 1951, Craig era una despreocupada de 23 años de edad que había dejado su trabajo en Nueva York y aseguró alojamiento de tercera clase en un barco con destino a Europa. Pasó más de seis meses haciendo su viaje a través de Francia, España e Italia, por sí misma – algo que muy pocas mujeres hicieron en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.
Viajó a bajo costo como pudo, así que estaba muy emocionada cuando descubrió un hotel a orillas del río Arno en Florencia, donde se podía quedar por 1 dólar al día. Allí conoció a otra aventurera viajera solitaria: Ruth Orkin, una fotógrafa de 29 años de edad, que llegó a Italia después de completar una misión en Israel.

“Ella estaba viviendo el día a día, con lo justo”, recordó Craig. “Hablamos acerca de viajar solas y nos preguntábamos la una a la otra:” ¿Lo estás pasando mal? ¿Te has sentido molesta alguna vez? “Las dos nos dimos cuenta de que estábamos pasando un tiempo maravilloso, y sólo algunas cosas eran un poco difícil”.
En el curso de esa conversación, una idea se fraguó: Ellas se dirigirían juntas al día siguiente, a pasear por Florencia y tomar fotos de lo que era realmente viajar sola como una joven mujer soltera.

Desde las 10 am hasta el mediodía del día siguiente, Orkin disparó fotos de Craig – que luego se llamó a sí misma “Jinx Allen”, un nombre que ella inventó y adoptó porque sonaba “emocionante” – admirar estatuas, preguntar por direcciones, regatear en los mercados y el coqueteo en los cafés.
“Estábamos literalmente haciendo el tonto”, dijo Craig, recordando el brillante chal naranja que llevaba ese día.
Orkin capturó su famosa fotografía “American Girl in Italy” durante las dos horas de la estupidez y la diversión. Sus hojas de contacto de ese día revelan que ella tiró sólo dos tomas de esa escena de calle en particular.

“El gran debate acerca de la imagen, que todo el mundo siempre quiere saber es: ¿Fue organizado? NO! “, dijo Craig. “No, no, no! Usted no tiene 15 personas para una imagen y hace sólo dos tomas. Los hombres estaban allí… Lo único que ocurrió fue que Ruth Orkin fue lo suficientemente sabia como para pedirme que diera la vuelta y volver atrás y repetir [el paseo]. “
Orkin murió en 1985. Su hija, Mary Engel, ha dedicado su vida a proteger archivo fotográfico de su madre y la promoción de su legado como fotógrafa documental. Engel estuvo de acuerdo con lo que Craig cuenta de lo que sucedió en ese día de agosto en Florencia, y añadió un detalle más contextual.
“Ella le dijo al hombre de la motocicleta que dijera a los otros hombres que no miraran a la cámara”, dijo Engel, directora del archivo fotográfico Orkin/Engel Film. “Pero la composición, simplemente ocurrió. Y mi madre lo capturó. Eso es en lo que ella era buena… Ella no tomó montones y montones de fotos. Esperó para disparar.”

Por supuesto, una buena fotografía documental da la bienvenida a los espectadores en una escena y les invita a sus interpretaciones. Eso es comprensible, dicen Craig y Engel – pero ambas subrayan la misma idea sobre “American Girl in Italy”: La foto es ante todo una celebración de las mujeres fuertes e independientes que no tienen miedo de vivir la vida.

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You know the photo. You’ve seen it a hundred times. A beautiful, statuesque young woman is walking down a street in Florence, Italy. She’s clutching her shawl, and she seems to be moving swiftly. More than a dozen men are staring at her longingly. One of them is grabbing his crotch.
The iconic 1951 image “American Girl in Italy” has turned 60. As its anniversary approaches, the stunning woman in the photo — Ninalee Craig, now 83 — is speaking up about it. She wants to explain what the photo represents, and what it doesn’t.
“Some people want to use it as a symbol of harassment of women, but that’s what we’ve been fighting all these years,” Craig said in a telephone interview from her home in Toronto. “It’s not a symbol of harassment. It’s a symbol of a woman having an absolutely wonderful time!”

Back in 1951, Craig was a carefree 23-year-old who had chucked her job in New York and secured third-class accommodations on a ship bound for Europe. She spent more than six months making her way through France, Spain and Italy all by herself — something very few women did in the years following World War II.
She traveled as inexpensively as she could, so she was thrilled when she found a hotel right on the Arno River in Florence where she could stay for $1 a day. There, she met another adventurous solo female traveler: Ruth Orkin, a 29-year-old photographer who came to Italy after completing an assignment in Israel.

“She was living from day to day, nickel-and-diming it,” Craig recalled. “We talked about traveling alone and asked each other, ‘Are you having a hard time? Are you ever bothered?’ We both found that we were having a wonderful time, and only some things were a little difficult.”
In the course of that conversation, an idea was hatched: They would head out together the next morning, wander around Florence and shoot pictures of what it was really like to travel alone as a young single woman.

From about 10 a.m. to noon the following day, Orkin shot photos of Craig — who then called herself “Jinx Allen,” a name she invented and assumed because it sounded “exciting” — admiring statues, asking for directions, haggling at markets and flirting in cafes.
“We were literally horsing around,” Craig said, reminiscing about the bright orange shawl she wore that day.
Orkin captured her famous “American Girl in Italy” photograph during those two hours of silliness and fun. Her contact sheets from that day reveal that she shot only two frames of that particular street scene.

“The big debate about the picture, which everyone always wants to know, is: Was it staged? NO!” Craig said. “No, no, no! You don’t have 15 men in a picture and take just two shots. The men were just there … The only thing that happened was that Ruth Orkin was wise enough to ask me to turn around and go back and repeat [the walk].”
Orkin died in 1985. Her daughter, Mary Engel, has devoted her life to protecting her mother’s photographic archive and promoting her legacy as a documentary photographer. Engel agreed with Craig’s account of what happened on that August day in Florence, and she added one more contextual detail.
“She told the man on motorcycle to tell the other men not to look at the camera,” said Engel, director of the Orkin/Engel Film and Photo Archive. “But the composition, it just happened. And my mother got it. That’s what she was good at. … She didn’t take loads and loads of photos. She waited for shots.”

Of course, a good documentary photograph welcomes viewers into a scene and invites their interpretations. That’s understandable, say Craig and Engel — but both of them stress the same point about “American Girl in Italy”: The photo is primarily a celebration of strong, independent women who aren’t afraid to live life.

(via: http://www.today.com/)

“La primera impresión de un nuevo tema no es necesariamente la mejor. Visto desde un ángulo diferente o bajo diferentes condiciones, se podría ver aún mejor. Siempre estudio un tema tri-dimensional con un ojo cerrado.” – Andreas Feininger

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“The first impression of a new subject is not necessary the best. Seen from a different angle or under different condition it might look even better. Always study a three – dimensional subject with one eye closed.” – Andreas Feininger

“La memoria es muy importante, la memoria de cada foto tomada, fluyendo a la misma velocidad que el evento. Durante el trabajo, hay que estar seguro de que no se ha dejado ningún agujero, que se ha captado todo, porque después será demasiado tarde.” – Henri Cartier-Bresson

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“Memory is very important, the memory of each photo taken, flowing at the same speed as the event. During the work, you have to be sure that you haven’t left any holes, that you’ve captured everything, because afterwards it will be too late.” – Henri Cartier-Bresson

La esposa de Willy Ronis, Anne Marie fue la modelo de su famosa foto de 1949, “Desnudo Provenzal”. Una tarde de otoño 39 años más tarde, Ronis fotografiaría a Anne Marie sufriendo el mal de Alzheimer, sentada sola en el banco de un parque.

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Willy Ronis’ wife, Anne Marie was the model of his famous 1949 photo, “Provence Nude”. One fall afternoon 39 years later, Ronis would photograph Anne Marie suffering Alzheimer’s disease, sitting alone on a park bench.

(via: Kowasa Gallery)

“Trato de ser un fotógrafo. No puedo hablar. No estoy interesado en hablar. Si tengo algo que decir, se puede encontrar en mis imágenes. No estoy interesado en hablar sobre las cosas, explicar acerca de los porqués y los cómos. No me importa mostrar mis imágenes, pero no tanto mis hojas de contactos. Trabajo principalmente con pequeñas pruebas de impresión. Las miro frecuentemente, a veces durante mucho tiempo. Las fijo a la pared, las comparo para ordenar mi mente, y estar seguro de mis decisiones. Dejo que los demás me digan lo que significan para ellos.” – Josef Koudelka

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“I try to be a photographer. I cannot talk. I am not interested in talking. If I have anything to say, it may be found in my images. I am not interested in talking about things, explaining about the whys and hows. I do not mind showing my images, but not so much my contact sheets. I mainly work from small test prints. I often look at them, sometimes for a long time. I pin them to the wall, I compare them to make up my mind, be sure of my choices. I let others tell me what they mean.” – Josef Koudelka

Esta premiada publicidad de 1953 para la revista Vanity Fair es verdaderamente hermosa y elegante. El fotógrafo Mark Shaw hace un trabajo excelente capturando las modelos en sus vestidos que fluyen. Se puede incluso tener la impresión de que algunas de las tomas fueron sacadas directamente de la antigua Grecia o Roma.

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This 1953 award winning advertisement for Vanity Fair is a truly beautiful and elegant. Photographer Mark Shaw does a superb job capturing the models in their flowing gowns. You even get the impression that some of the shots were pulled straight from Ancient Greece or Rome.

(via: whodesignedit.net/fashion/)

“Yo estaba muy incómoda con la gente en situaciones sociales, y me di cuenta de que si yo fotografiaba no tendría que hablar.” – Martine Franck

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“I was very ill at ease with people in social situations, and I realized that if I photographed I wouldn’t have to chat.” – Martine Franck

Para Arnold Newman, poner el mismo énfasis en el entorno del sujeto era tan importante para la producción de un gran retrato.

A mediados del siglo pasado, los retratos de Newman estaban en las portadas de algunas de las revistas más famosas. Llegó a ser conocido como uno de los pioneros del Retrato de Ambiente (aunque a él mismo no le gustaba el término). En los retratos de este tipo, el entorno de los sujetos, ya sea su casa o lugar de trabajo, debe ser capaz de transmitir una sensación de lo que el sujeto es. Así pues, aun sin saber quién es el sujeto, un lector puede identificar al artista en su estudio, o un músico en el teclado, o un presidente en su escritorio.

Newman insistió en que la imagen de una celebridad o un político por sí mismo no sería tan significativa como una tomada en el lugar de trabajo del sujeto. Más aún, cualquier cosa atrapada en la toma debe ser capaz de comunicar al espectador revelando algo sobre el sujeto. Como él mismo dijo: “El entorno tenía que añadir a la composición y la comprensión de la persona. No importa quién fuera el sujeto, tenía que ser una fotografía interesante.”

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For Arnold Newman, placing equal emphasis on the subject’s environment was just as important to producing a great portrait.

By the middle of the last century, Newman’s portraits were on the covers of some of the most famous magazines. He became known as one of the pioneers of Environmental Portraiture (although he himself did not like the term). In portraits such as these, the subjects surroundings, be it their home or workplace, must be able to convey a sense of what the subject is like. Thus, even without knowing who the subject is, a reader can identify the artist in his studio, or a musician at the keyboard, or a president at his desk.

Newman insisted that a picture of a celebrity or politician by himself wouldn’t be as meaningful as one taken in the subject’s workplace. Moreover, anything caught in the frame should be able to communicate to the viewer something revealing about the subject. As he put it, “The surroundings had to add to the composition and the understanding of the person. No matter who the subject was, it had to be an interesting photograph.”

(via: http://reelfoto.blogspot.com.es/)

“No suelo dar consejos ni recetas, pero hay que dejar que la persona que mira la fotografía vaya de alguna forma a su final. Hay que ofrecerles una semilla que crecerá y abrirá sus mentes.” – Robert Doisneau

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“I don’t usually give out advice or recipes, but you must let the person looking at the photograph go some of the way to finishing it. You should offer them a seed that will grow and open up their minds.” – Robert Doisneau

Charlie Waite se ha consolidado como uno de los fotógrafos de paisaje líderes del mundo. Su estilo fotográfico es a menudo considerado como único, ya que sus fotografías transmiten una calidad casi espiritual de serenidad y calma. Las fotografías de Charlie Waite se mantienen en colecciones privadas y corporativas de todo el mundo, y ha realizado numerosas exposiciones individuales en prestigiosas salas del Reino Unido, Japón y EE.UU..

Con más de 30 libros en su haber, las imágenes de Charlie son reconocidas en todo el mundo. Charlie fue presentado recientemente en los iconos de la serie de la revista Amateur Photographer la fotografía moderna, y sus imágenes han recibido la aclamación crítica amplia durante muchos años. Un reciente artículo de Royal West of England Academy Art Magazine comentó sobre el trabajo de Charlie: “los paisajes de Waite son raras perfecciones de luz, color y composición, y ofrecen al espectador un retrato exuberante de un planeta en paz”.

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Charlie Waite is firmly established as one of the world’s leading Landscape photographers. His photographic style is often considered to be unique, in that his photographs convey an almost spiritual quality of serenity and calm. Charlie Waite’s photographs are held in private and corporate collections throughout the world, and he has held numerous solo exhibitions at prestigious venues in the UK, Japan and the USA.

With over 30 books to his name, Charlie’s images are recognised around the world. Charlie was recently featured in Amateur Photographer Magazine’s series Icons of Modern Photography, and his images have received wide critical acclaim over many years. A recent article in Royal West of England Academy Art Magazine featuring Charlie’s work commented “Waite’s landscapes are rare perfections of light, colour and composition, and offer the viewer a luxuriant portrait of a planet at peace”.

(via: http://www.charliewaite.com/gallery)

“Entre mi panteón de los mitos, Rene Magritte proyecta la sombra más lejos de la iluminación”, dice Duane Michals al conocer al artista belga en 1965. “Yo tenía 33 años y él tenía 65 años cuando lo visité en Bruselas. Era una contradicción, un surrealista que vivía como un banquero con la mente caleidoscópica de un alquimista. Él fue muy amable conmigo, dándome carta blanca a sus tesoros. Caminé todo el camino de regreso a Nueva York desde Bélgica. Mi visita aún permanece con los ojos de mi portfolio.”

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“Among my pantheon of myths, Rene Magritte casts the furthest shadow of illumination”, says Duane Michals about meeting the Belgian artist in 1965. “I was 33 and he was 65 when I visited him in Brussels. He was a contradiction, a surrealist who lived like a banker with the kaleidoscopic mind of an alchemist. He was very kind to me, giving me carte blanche to his treasures. I walked all the way back to New York from Belgium. My visit still lingers with the eyes of my portfolio.”

(via: http://fansinaflashbulb.wordpress.com/)

“Cuando fotografío, comienzo abriendo la mente. Si comenzara con una idea exacta de lo que quiero fotografiar, podría ser que faltara un acontecimiento o un objeto interesante. Así pues, comienzo con la mente abierta e intento fotografiar toda clase de objetos.” – Masao Yamamoto

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“When I photograph, I start opening the mind. If I would start with an idea of ​​what I want to photograph, could be missing an event or an interesting subject. So, I start with an open mind and try to shoot all kinds of objects.” – Masao Yamamoto